Если вы когда-нибудь смотрели на произведение живописи, которое напоминает академическое, но не могли понять, какой смысл в нем заложен, то вполне вероятно, что вы столкнулись с сюрреализмом, ведь главная цель, которую поставил перед собой сюрреализм в живописи еще в прошлом столетии – это наводить зрителя на размышления.

Что такое сюрреализм

Сюрреализм как направление в искусстве сформировался в 20-х годах XX века. Сюрреализм в живописи исследует подсознание человеческого разума и, соответственно, утверждает, что познать правду мира можно именно через подсознание, а не через логическое восприятие действительности.

Большое влияние на развитие этого стиля живописи имела теория психоанализа Зигмунда Фрейда. Очень часто художники-сюрреалисты используют в создании картин образы из собственных сновидений. Среди особенностей стиля сюрреализм выделяют следующие:

• алогизм;
• иррациональность;
• переменчивость образов;
• фантасмагоричность сюжетов;
• парадоксальность сочетаний и форм;
• использование символов.

О пяти художниках-сюрреалистах, ставших самыми яркими представителями этого стиля, об их самых главных работах мы и поговорим далее.

Сальвадор Дали

Сальвадор Дали и сюрреализм уже почти стали синонимами — фамилия именно этого испанского художника первой приходит на ум при упоминании данного стиля живописи. За время своей долгой карьеры Дали добился успеха в скульптуре, моде, рекламе, литературе и кинематографе, в частности, благодаря своему сотрудничеству с Луисом Бунюэлем и Альфредом Хичкоком, но всемирно известен он благодаря своему вкладу в искусство живописи. Его работы теперь находятся в крупнейших художественных музеях мира.

В основе попыток Дали создать формальный и визуальный язык, способный передавать его сны и галлюцинации, лежит теория Фрейда. Его работы пронизывают навязчивые темы эротизма, смерти и упадка, отражая их схожесть с психоаналитическими теориями того периода. Опираясь на очевидно автобиографические материалы и детские воспоминания, творчество Дали изобилует готовым к интерпретации символизмом, от фетишей и образов животных до религиозных символов.

В своем творчестве он использовал так называемый параноидально-критический метод познания — состояние, в котором можно создавать иллюзию, сохраняя собственное здравомыслие. Дали считал, что обладает такой способностью, и может освобождаться от рациональных и моральных установок, приобретая мышление сумасшедшего человека.

«Постоянство времени» (1931)

Этот культовый шедевр живописи в стиле сюрреализм, репродукции которого создавались наиболее часто, иногда встречается под названием «Мягкие часы». На нем изображены четверо часов, которые показывают собственное время. Находятся они в окружении пустынной местности. При этом часы не твердые и плоские, а изображены в мягком, плавящемся и растекающемся состоянии.

Дали использовал часы, чтобы символизировать смертность, прежде всего, свою собственную (взгляните на часы, которые уже поедают муравьи), и скоротечность времени. В отличие от распространенного мнения о том, что время имеет линейную форму, подобно прямой, с началом и концом, художник считал, что время — органический процесс, который и сжимается, и растягивается. А пришла идея написания этой картины к Дали после того, как он увидел на тарелке плавленный сыр камамбер.

«Лебеди, отражающиеся в слонах» (1937)

Как и во многих других работах в стиле сюрреализм, значение этой картины нелегко уловить сразу. Условно эту картину можно поделить на две части: плавающих в озере лебедей и их отражение. Мы можем видеть, как элементы реального изображения переходят в нереальное: склонившиеся шеи лебедей отражаются в озере и превращаются в слоновьи хоботы, оперенные крылья — в уши слонов, а стволы деревьев в отражении становятся их лапами.

Перед утесом изображен мужчина — считается, что это автопортрет Дали. Он стоит к озеру спиной, отчего чувствуется некая тревога: вдруг он повернется назад, и окажется, что лебеди и слоны были всего лишь миражом? Именно столкновение действительности и фантазии является основной идеей этой работы.

Рене Магритт

Еще один из известнейших авторов, работавших в стиле сюрреализм, — бельгийский художник Рене Магритт. Он достиг такой популярности благодаря своеобразному подходу к стилю: сюрреализм, в котором Магритт писал картины, называют парадоксальным. Изображения, прекрасные в своей ясности и простоте, в то же время провоцируют тревожные мысли; это только на первый взгляд кажется, будто они ничего под собой не скрывают.

Магритт обладал талантом увидеть простую, обыденную вещь и придать ее образу нечто таинственное и мифическое. Он терпеть не мог психоанализ в живописи, его работы можно назвать скорее философско-поэтическими. Художник стремился избегать отвлекающих факторов, используемых в большей части современной живописи, и придерживался изобразительной техники, которая четко определяла содержание его картин.

Ключевым элементом творчества Магритта можно назвать мужчин в котелках, которые очень часто появляются на его картинах. Их часто интерпретируют как автопортреты художника, хотя их можно рассматривать и как банальные источники его вдохновения, которые, как известно, находятся вокруг нас в самых обыденных мелочах.

«Влюбленные» (1928)

На этом популярном произведении живописи в стиле сюрреализм изображена целующаяся пара, лица которой полностью обернуты белой тканью. Магритт довольно часто оставлял комментарии к своим работам, однако эта осталась без авторского объяснения. Отсюда и происходит множество самых разных интерпретаций, которые выдвигают арт-критики и поклонники художника.

Распространенные версии — «Любовь слепа», «От любви теряют голову», которые, однако, кажутся слишком банальными. Специалисты считают, что это попытка двух людей победить отчуждение, которое они чувствуют по отношению друг к другу, но им не удается это сделать даже в момент близости. Существует и версия о том, будто все люди — загадки друг для друга, даже влюбленные.

«Сын человеческий» (1964)

На этой картине изображен мужчина, одетый в пальто и шляпу; за его спиной мы видим каменную стену, которая обрывается и открывает вид на синее небо, облака и бескрайнее море. Лицо мужчины закрывает словно бы зависшее в воздухе зеленое яблоко.

Исходя из названия произведения живописи, «Сын человеческий», можно сделать предположение о ее значении: несмотря на то, что на ней изображен современный деловой человек, он все равно остается сыном Божьим и, подобно Адаму, способен поддаваться земным искушениям, которые и символизирует яблоко, подобно плоду с древа познания.

Макс Эрнст

Немец по происхождению, Макс Эрнст был инновационным художником, провокатором, извлекающим из своего подсознания сновидческие сюжеты, потешающиеся над социальными устоями. Он был глубоко заинтересован в искусстве живописи, создаваемом душевнобольными, как средстве доступа к первобытным эмоциям и беспрепятственному творчеству.

Именно Эрнст изобрел технику под названием фроттаж: перевод на бумагу текстуры какой-либо шероховатой или выпуклой поверхности, например, коры дерева. А желание рисовать от подсознательного, также известное, как автоматическая живопись, заняло центральное место в его творчестве в стиле сюрреализм и впоследствии окажет влияние на абстрактный импрессионизм.

«Двое детей и соловей» (1924)

К поверхности картины прикреплен красный деревянный забор, калитка которого приоткрыта в приветственной манере и показывает нам, на первый взгляд, идиллическую картину, которая на самом деле является сценой ужаса и беспорядка.

Одна из девочек находится в явно бедственном положении: в поднятой вверх руке она держит нож и словно отбивается от маленькой птицы над головой – соловья. Другая девочка, в таком же сером одеянии, вообще лежит на земле, будто потеряла сознание. Эрнст ввел в эту работу две автобиографические отсылки: смерть его сестры и его детская галлюцинация во время лихорадки – рядом со своей кроватью он видел птицу.

«Ангел домашнего очага» (1937)

На картине изображено неизвестное фантастическое существо с продолговатыми конечностями, которое совершает прыжок, причем с довольно радостным выражением лица. Монстр одет в лохмотья, которые очень странно разукрашены; выглядит он уродливо. Более того, из его правой ноги, похоже, рождается еще один непонятный монстр – подобно тому, как размножаются клетки раковой опухоли.

Эта работа одна из редких произведений живописи Эрнста в стиле сюрреализм, вдохновленных непосредственно мировыми политическими событиями – она была создана после поражения республиканской Испании в преддверии наступления и распространения немецкого фашизма. Название картины нарочно вводит зрителей в заблуждение, чтобы сыграть на контрасте и шокировать аудиторию, наводя ее на размышления.

Фрида Кало

Эта всемирно известная художница, которая стала символом Мексики, прожила нелегкую жизнь, что отразилось и в ее творчестве. В шестилетнем возрасте она переболела полиомиелитом, это пагубно повлияло на ее ногу и сделало девочку хромой, а двенадцать лет спустя Кало попала в серьезную автокатастрофу, что лишило ее возможности когда-либо иметь детей и приковало к постели на год с лишним. В этот период она и начала рисовать в стиле сюрреализм.

Используя свои личные трагедии, физические и психологические, соединенные с реалистичной техникой рисования, Кало создавала произведения живописи, которые были эмоционально сырые и визуально тревожные. В ее художественном вкладе в сюрреализм доминировали автопортреты, которые очень часто изображали художницу в страданиях.

«Автопортрет на границе между Мексикой и США» (1932)

С помощью этого автопортрета в стиле сюрреализм Фрида выражает свои амбивалентные чувства по отношению к США. Она изображена на картине в нехарактерном для нее, милом и элегантном розовом платье, в белых перчатках, подобно статуе на пьедестале, между двумя разными мирами. В руках она держит мексиканский флаг, который демонстрирует ее приоритеты.

С одной стороны мы видим древний мексиканский пейзаж с теплыми натуральными оттенками, экзотическими растениями и частями скульптур ацтеков – мексиканскую сторону регулируют силы природы и естественный цикл жизни. А с другой стороны можем наблюдать мертвый, технологический пейзаж Соединенных Штатов, изображенный в более унылых оттенках. Соединяет эти две стороны только электрический генератор на американской стороне, который берет энергию из корней мексиканских растений и питает пьедестал, на котором стоит Фрида. Надпись на нем гласит: «Кармен Ривера нарисовала свой портрет в 1932 году» (Кармен – имя, данное Фриде при крещении, Ривера – фамилия мужа).

«Две Фриды» (1939)

Этот двойной автопортрет является одной из наиболее узнаваемых произведений живописи Фриды Кало в стиле сюрреализм. Он символизирует боль художницы во время развода с мужем Диего Риверой и последующее превращение ее личности. С левой стороны для зрителя Кало изображена в современной европейской одежде, которую она надевала до брака. Будучи в браке, она проникается национализмом мужа и проявляет интерес к мексиканскому традиционному платью – в него она одета с правой стороны портрета.

Женщины на картине держатся за руки, их также объединяют сердца, связанные одной артерией. Мексиканская Фрида держит в руках медальон с портретом мужа, а европейская Фрида истекает кровью через перерезанную артерию. Так Фрида показывает две свои разные индивидуальности. Кровоточащее сердце и грозовое небо на фоне являются фундаментальными символами католицизма и ритуальной жертвы ацтеков, что подчеркивается через физическую боль художницы и ее личную скорбь.

Хуан Миро

Всю карьеру этого испанского художника можно охарактеризовать как настойчивый эксперимент и бесконечные заигрывания с беспредметностью.

Особенностями творчества Миро называют биоморфические формы, геометрические фигуры и полуабстрактные предметы. Художник часто работал с ограниченной цветовой палитрой, но при этом используемые им цвета были достаточно смелые и претенциозные.

Миро изобрел новый вид живописного пространства, в котором визуальные объекты, созданные исключительно из воображения художника, соседствуют с основными, узнаваемыми формами – небесными телами, животными, лестницами и т. д. Появляется даже ощущение, будто реальные и нереальные формы всегда сосуществовали вместе, как в материальной сфере, так и в пространстве живописи Миро.

«Ферма» (1921)

Это полотно предлагает зрителю взглянуть на занятную испанскую семейную ферму. Сам Миро говорил, будто именно «Ферма» стала ключевой работой, итогом всей его жизни в деревенской местности. Он хотел поместить на холст все, что любил в деревне, – от огромного дерева до крошечной улитки.

Бывало, что Миро проводил по восемь часов в день за работой над этой картиной, и все это на протяжении девяти месяцев. Почти с маниакальным вниманием к деталям он поместил различные объекты напротив монохроматических участков пространства для создания особого контраста.

Впоследствии картина была продана американскому писателю Эрнесту Хэмингуэю.

«Вспаханное поле» (1923)

Наполненное сложными, непостижимыми фигурами, произведение живописи является изображением одного из пейзажей родины художника – Каталонии. Она кишит органическими формами, растениями, птицами и животными, которые объединяются и сливаются воедино вне зависимости от вида, казалось бы, вопреки природе.

Картина может рассматриваться как дань уважения к прошлому Испании и заявление о пережитых страной современных политических потрясениях. В подобных работах, а также работах до и во время Второй мировой войны, Миро нередко выражал свои собственные политические настроения.

Сюрреализм в живописи имел немало представителей в прошлом веке, а еще больше последователей находит сейчас. 

Материалы и изображения:http://megapoisk.com/sjurrealizm-v-zhivopisi-znamenitye-hudozhniki