Понедельник, 27 Июль 2020 11:20

Сам себе искусствовед

Оцените материал
(0 голосов)

О стилях живописи для начинающих и интересующихся 

Для того чтобы разбираться в живописи и не растеряться в любом музее мира, вовсе необязательно быть профессиональным искусствоведом (и читать сотни книг по теме истории искусств). Достаточно знать основу — историю развития стилей и жанров. С этими знаниями многое на картинах великих живописцев в одночасье станет понятным. 

VTBRussia.ru предлагает вашему вниманию статью-шпаргалку по основным стилям европейского искусства (от Средневековья до начала XX века), которая поможет чувствовать себя комфортно в любом, даже самом заумно организованном музее мира.

01_Сам себе искусствовед
«Апостол Петр принимает ключ», миниатюра из книги «Перикопа Генриха II», XI век

Все начиналось с Рима

Если вспомнить любой крупный музей мира, то первые залы европейского искусства практически всегда посвящены произведениям на религиозные сюжеты и романскому стилю. Начиная с X века (и вплоть до XII) главной темой, которая увлекала жителей Европы, было осознание истории и ценностей христианской религии. Отсюда и такой интерес к образам святых, евангелистам и мученикам (термин «романика» произошел от слова «Рим», ведь именно Вечный город был одним из главных центров распространения христианской религии). Логично, что такое искусство создавалось либо в храмах, где художники писали фрески, либо в монастырях, где монахи иллюстрировали книги и манускрипты. 

Что касается визуальной части — искусство этого периода отличают выразительность линий при отсутствии объема и перспективы, большое количество цветочных орнаментов и ярких цветов (краски в это время создавались из природных материалов, а главным связующим веществом был яичный желток). 

Кажущаяся простота изображений не должна смущать, ведь главной целью Романского искусства было просветительство — пропаганда христианских ценностей среди населения Европы, которое в массе своей не умело даже читать. 
Что интересно, сам термин (романский стиль) появился в начале XIX века, когда возникла необходимость структурировать историю средневекового искусства. Его автором считается Арсисс де Комон, французский антиквар и археолог.

02_Сам себе искусствовед
Фрагмент витражного окна, XIII век

Таинственная готика

Считается, что переход от романского стиля к готическому произошел в конце XII — начале XIII века. Родиной готики принято считать Францию — в течение нескольких веков она распространилась почти по всем странам Центральной и Западной Европы. Пожалуй, главное достижение этой эпохи — монументальная архитектура готических соборов. Они стали главной достопримечательностью средневековых городов, а на их создание были брошены усилия целых поколений горожан. Любопытно, что фресок в готических соборах практически не было (за редким исключением). Однако художникам тоже нашлась работа. Главным видом изобразительного искусства этой эпохи стал витраж. 

Внутри готического собора нас одолевают мистические переживания. Всему виною лучи света, проникающие через витражи и создающие ощущение «божественного свечения». Собственно, ради этого эффекта все и делалось. Размеры «узоров из цветного стекла» в готических соборах достигали колоссальных размеров — например, диаметр так называемого круглого окна розы в соборе Нотр-Дам де Пари составляет более 12 метров.

Стоит заметить, что религиозные мотивы в готике все еще преобладали над светскими, однако наряду с изображениями библейских сюжетов стали появляться работы на бытовые темы, скажем, сцены сбора урожая, охоты и отдыха на природе.

03_Сам себе искусствовед
«Весна», Сандро Боттичелли, 1482 год

Возрождение и пугающий маньеризм

Во второй половине XIII века в европейском искусстве происходит революция, наступает эпоха полного переосмысления человеком самого себя: отныне он чувствует себя «универсальной личностью», перед которой нет преград. И мастерски доказывает это на деле. Так, знаменитый флорентинец Леонардо да Винчи был не только художником, но и скульптором, архитектором, музыкантом, писателем и изобретателем. Логичным развитием изобразительного искусства в таких условиях стало появление портретов. Теперь человек рассуждает так: раз он создан Богом, значит, достоин того, чтобы быть изображенным. Другой важнейшей особенностью эпохи Возрождения является [проснувшийся спустя многие столетия] интерес к античности — с ее подходом к красоте человеческого тела, философии и мифологии. 

Все эти идеи развиваются постепенно — в течение трех столетий. Сначала — в эпоху так называемого Проторенессанса (дученто), когда еще сильны религиозные традиции и преобладает тяготение к плоскостному изображению. Ключевой фигурой в живописи этого периода становится Джотто, который впервые задался целью реалистичного изображения сцен из бытия Христа и святых. 

В начале XV века на смену Проторенессансу пришло Раннее Возрождение (треченто), ярчайшим представителем которого является флорентиец Сандро Боттичелли, прославившийся своими образами мифологических героев античной эпохи («Рождение Венеры», «Венера и Марс») и картинами на религиозные сюжеты («Поклонение волхвов», «Призвание Моисея»). Самой загадочной работой мастера считается картина «Весна», споры о смысле которой не утихают и по сей день. В этом полотне чувствуется влияние античного искусства, хорошее знание классической скульптуры или зарисовок с нее. Согласно легенде, на создание этой картины Боттичелли вдохновил фрагмент из поэмы Лукреция «О природе вещей»:

Вот и Весна, и Венера идёт, и Венеры крылатый
Вестник грядёт впереди, и, Зефиру вослед, перед ними
Шествует Флора-мать и, цветы на путь рассыпая,
Красками всё наполняет и запахом сладким…
Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим приближеньем
Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный
Стелет цветочный ковёр, улыбаются волны морские,
И небосвода лазурь сияет разлившимся светом.

Ну а далее пришло время «титанов Возрождения», имена которых знакомы нам с детства, — Леонардо, Микеланджело и Рафаэля. Творчество этих живописцев объединено периодом Высокого Возрождения (кватроченто, конец XV века — середина XVI века). «Титаны» с одной стороны, опирались на ценности прошлого, а с другой — привнесли в искусство новые идеи. Их работы совершенны, в них продумано все до мелочей — от композиционных решений до деталей и символов. Ярчайшие примеры работ данного периода — Станцы Рафаэля и Сикстинская капелла Микеланджело в Ватикане.

Расцвет Позднего Возрождения (чинквеченто, середина — конец XVI века) происходил в Венеции, где живописцами Тицианом и Джорджоне была достигнута небывалая красота — художники добились невероятных переходов цвета и тени при изображении оттенков кожи человека. Люди на картинах этих мастеров были словно живыми, что для той поры было настоящий прорывом.

Закат эпохи Возрождения был постепенным, но отправной точкой послужил страшный для Вечного города день — 6 мая 1527 года, когда войска испанского короля Карла V вторглись и разграбили Рим. Искусство не могло видоизмениться в один день, однако ценности трансформировались. Вместо стремления к совершенству и безусловной красоте в моду вошел так называемый маньеризм. Художники экспериментировали над формой в ущерб содержанию, создавая тревожные образы. Яркий пример маньеризма — работа итальянского художника Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей» (1535 год). 

04_Сам себе искусствовед
«Блудный сын в таверне» (автопортрет художника и его жены), Рембрандт, 1635 год 

Витиеватое барокко

Эмоциональная напряженность, которой наполнил живопись маньеризм, перешла и в XVII век, но уже в формате нового стиля — барокко (что в переводе с итальянского означает «причудливый», «странный»). Отправной точкой барокко принято считать творчество художника Караваджо, которого современники называли «гениальным чудовищем». Гениальным — за его мастерство в изображении переходов света и тени, чудовищем — за незаконопослушный, разгильдяйский образ жизни (в результате драки он убил человека) и смелую реалистичность в творчестве. 

В эту эпоху впервые в истории формируется рынок искусства, живопись становится доступной среднему классу. Отсюда — появление новых жанров (таких, например, как натюрморт), развитие бытового жанра и уменьшение формата картин, которые теперь могут выполнять роль украшения жилища (вспомним произведения «малых голландцев» — Яна Вермеера, Питера де Хоха, Яна Стена и других).  

С другой стороны — барокко продолжает идеи эпохи Возрождения в монументальных фресках церквей и аллегорических сюжетах, украшающих потолки итальянский палаццо. Но меняется характер изображений — теперь в них много эмоциональности, чувственности, движения и пафоса. Художники активно используют яркие цвета, один из любимых оттенков — торжественный красный, много золота. Роскошные парадные портреты выписаны с максимальной точностью и детализацией — можно различить текстуры тканей, металлов, украшений и даже вышивок. 

Человек на портрете эпохи барокко отличается от «идеальных образов», созданных во время культа античности. Художники становятся настоящими психологами, стараются заглянуть в душу человека — и увидеть не только его добродетели, но и пороки, которые бескомпромиссно обличают. Один из главных шедевров барокко — портрет Папы Иннокентия X кисти Диего Веласкеса (1650 год). Другими «звездами барокко» по праву считаются Рембрандт, Рубенс, Антонис ван Дейк и Пьетро да Картона. 

05_Сам себе искусствовед
«Поцелуй украдкой», Жан-Оноре Фрагонар, конец 1780-х

Игривое рококо

Рококо (от французского слова «rocaille» —скальный) появился на свет в XVIII веке во Франции — в богемной среде короля Людовика XV — и стал куда более причудливым стилем, чем барокко. Рококо был одновременно и логическим результатом его развития, и художественным антиподом. В живописи он, по сути, отражал жизнь и ценности галантного общества того времени (кстати, термин «галантный» появился именно в эту эпоху — как характеристика «высшего света»).  

Главные сюжеты рококо в живописи совершенно беззаботны и буржуазны (психологизм барокко забыт и предан анафеме) — это прогулки в парках, театральные представления, свидания, поцелуи украдкой, прихорашивания прекрасных дам перед зеркалом и наивные пасторальные сценки. Все это написано в самых нежных пастельных тонах, причем многие цвета имели свои уникальные (и крайне причудливые) названия. Так, благодаря эпохе рококо мы знаем о существовании «цвета бедра испуганной нимфы», «цвета розы в молоке» и «цвета брюшка блохи в молочной лихорадке». Любимыми художниками галантного общества стали Антуан Ватто, Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше.

06_Сам себе искусствовед
«Эдип и Сфинкс», Жан Огюст Доминик Энгр, 1808 год

Строгий классицизм

Шалости эпохи рококо не могли продолжаться вечно. Увы, конец их был трагичен. Произошла Великая французская революция, в результате которой королю Франции Людовику XVI отрубили голову. Для поддержки новой политической линии и лично Наполеона Бонапарта было необходимо новое искусство. 

Таким искусством стал классицизм (XVII — начало XIX века), который, по сути, является «вторым кругом эпохи Возрождения». Его особые приметы: культ античных сюжетов и героев, их подвигов и красота человеческого тела. Согласитесь, намного проще пропагандировать политику Наполеона через образы сильных и смелых Горациев и Куриациев, чем галантных персонажей в напудренных париках. Главными художниками этой поры называют Давида и Энгра, в их произведениях заметно подражание мастерам эпохи Возрождения. Например, Рафаэлю (достаточно сравнить «Апофеоз Гомера» Энгра и «Афинскую школу» Рафаэля). 

Слабой стороной классицизма было то, что художники, по сути, не могли выражать самих себя. В Академии изящных искусств Парижа их с утра до вечера учили перерисовывать античные скульптуры согласно принятым нормам. Любое новаторство не только не поощрялось, но и резко порицалось, что создавало атмосферу, несовместимую с познанием чего-то нового и свободным творчеством. В итоге это привело к кризису и выделению из классицизм новых, куда более свободолюбивых направлений живописи. 

07_Сам себе искусствовед
«Вечер. Золотой Плёс», Исаак Левитан, 1889 год

Конец «больших стилей»

Начиная с середины XIX века можно говорить о завершении эры «больших стилей» (тех, о которых шла речь в предыдущих главах этой статьи) — стилей, которые, несмотря на все различия, были объединены общими идеями и ценностями. На смену им приходят новые направления, которые предлагают своим последователям абсолютно новый взгляд на изобразительное искусство и большую творческую свободу. Наравне с главенствующим в ту пору классицизмом выделились два новых стиля — романтизм и реализм.

Художники-реалисты — во Франции это прежде всего Курбе и Милле, в России «передвижники» (РепинЛевитан и другие) — не боялись показать жизнь такой, какая она есть, без прикрас. Их работы посвящены простому крестьянскому труду, обычным людям и простому сельскому пейзажу (здесь уместно вспомнить работу Алексея Саврасова «Грачи прилетели»). Такие картины подкупали своей честностью, доступностью сюжетов и близостью к народу. Поэтому нет ничего удивительного в том, что реалисты в кратчайшие сроки вытеснили в сердцах обывателей художников-классицистов, воспевающих красоту античных героев и мифологические сюжеты.  

Другим ярким направлением XIX века стал романтизм — искусство, позволяющее художнику писать именно так, как он видит. Даже если для этого необходимо «додумать», приукрасить действительность — дополнить реалистичный сюжет фантастическими деталями. К романтизму относится идеалистическое творчество Франсиско Гойи, Уильяма Блейка, Карла Брюллова и Василия Тропинина. 

08_Сам себе искусствовед
«Стога сена», Клод Моне, 1891 год

Импрессионисты и пуантилисты

В 1875 году в Париже никому на тот момент неизвестная группа художников (импрессионистами они себя тогда не называли) открыла выставку под вывеской «Выставка анонимного общества художников, скульпторов и граверов». И благодаря картине Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» прославилась на весь мир. Одному из критиков страшно не понравилась манера, в которой была написана эта картина: куда это вообще годится, неаккуратные мазки и полное несоответствие академическим правилам! В своей разгромной статье он рассказал, что посетил выставку не настоящих художников, а каких-то «впечатленцев» (то есть «импрессионистов», от французского слова «impression»). Как известно, плохой пиар — это тоже пиар, зачастую куда более эффективный, чем комплиментарный. 

Главной целью художников, снискавших после этой статьи скандальную славу, стало исследование ранее незатронутой темы в изобразительном искусстве — влияния дневного света на цвета объектов. В контексте этой задачи каждый из импрессионистов выбрал для себя поле деятельности: Моне изучал природу и чаще всего работал в пейзажном жанре, Ренуар был скорее портретистом, а Писсарро виртуозно изображал «мгновения жизни» на улицах Парижа.  

Чтобы достигнуть нужных визуальных эффектов, были выведены некоторые условные правила импрессионизма: картину следовало писать исключительно при дневном свете и при этом, ввиду переменчивости света, работать нужно достаточно быстро. Исходя из этого допускались эксперименты в технике, например, нанесение объемных мазков краски. Самое главное правило звучало еще удивительнее: по замыслу импрессионистов, их искусство должно быть позитивным и радостным, привносить в жизнь свет и тепло.   
Идеи импрессионистов развили в своем творчестве художники-пуантилисты (от фр. слова «point» — точка). Пуантилисты создавали свои изображения, нанося на белый холст цветные контрастные точки. Задача трудоемкая, но результат получался крайне эффектным. Представители этого направления считали, что пустоты на полотне глаз человека самостоятельно заполнит нужным цветом. И оказались правы! Пик популярности этого стиля пришелся на конец XIX — начало XX века. Самые известные мастера этого направления — французы Жорж Сёра и Поль Синьяк. Работы этих мастеров — из тех, мимо которых в музее невозможно пройти

09_Сам себе искусствовед
Автопортрет Винсента Ван Гога, 1889 год

Новаторы

Смелость импрессионистов оказалась заразительной — она вдохновила многих художников на эксперименты и свободу самовыражения. Таким образом в конце XIX века наступает время художников-новаторов (часто некоторых из них объединяют в понятие «постимпрессионисты», но это скорее условное обозначение). 

Художники-новаторы следовали собственным правилам и теориям, в результате чего на свет появилась масса исключительно самобытных произведений. Так, одной из фишек творчества Ван Гога стали его мазки — густые, плотные и объемные. Художник мог наносить краску на холст непосредственно из тюбика, пальцем или оборотной стороной кисти — он фактически лепил свои картины. В результаты его шедевры обладают необыкновенными динамическими спецэффектами. Небо в знаменитой картине «Звёздная ночь», на которой изображено фантастическое природное явление, будто приходит в движение на наших глазах, делая нас свидетелем таинства природы. 

Другими новаторами по праву считаются: друг Ван Гога — Поль Гоген, который по сути ввел в моду интерес к экзотике и упрощению форм (то есть примитивизму), все то, что стало предметом исследования у художников XX века; Поль Сезанн, который смотрел на мир сквозь призму геометрических форм (поэтому его натюрморты кажутся столь объемными); Эдгар Дега, который посвятил свое творчество изучению движения, — вдохновение он черпал в театре, а для своих произведений выбирал очень смелые и неожиданные ракурсы, благодаря которым зритель считает себя неотъемлемой частью его картин; Анри Руссо, который ввел моду на наивное искусство. 

10_Сам себе искусствовед
«Авиньонские девицы», Пабло Пикассо, 1907 год 

Начало XX века 

Кроме импрессионизма и постимпрессионизма, рубеж XIX и XX веков ознаменован в искусстве появлением модерна — его эпоха завершилась с первыми выстрелами Первой мировой войны. 

Считается, что в эту эпоху — впервые в истории — был достигнут синтез различных видов искусства. Архитекторы, проектируя здания, думали о том, как оно будет украшено внутри и снаружи. Таким образом достигался эффект совершенной, идеалистичной гармонии. Ярким примером стиля модерн является гостиница «Метрополь» в Москве, внешний фасад которой украшен майоликовыми панно Михаила Врубеля, Александра Головина и Сергея Чехолина. Модерн стал, пожалуй, последним безусловно понятным направлением в искусстве. Дальнейшее его развитие (вторая четверть XX века — наши дни) — тема куда более сложная и требует отдельного разговора. 

Художники начала XX века находились в перманентном творческом поиске — необходима была новая задача, вызов, который мог бы вывести искусство на новый уровень и отразить дух времени. 

Идея пришла внезапно — в Париже открылась выставка африканских масок, и для многих художников именно эти артефакты стали той самой искрой вдохновения. Находясь под впечатлением от увиденных экспонатов — их невероятной экспрессивности и эмоциональной силе, художники принимаются за работу. Пабло Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», в которой герои похожи на бесполые фетиши с отталкивающими лицами-масками; Анри Матисс в своем фовизме трансформирует эту эмоциональность в позитив и яркие цвета. 

Теперь главная задача искусства — не нравственное и эстетическое воспитание человека, а стремление художника вызвать в нем бурю эмоций посредством визуального образа. Экспрессионисты, во главе которых стоит Эдвард Мунк и его «Крик», заставляют чувствовать тревогу и дискомфорт — при этом нет понимания, что же случилось в «Крике», сюжет остается нераскрытым. Кубисты трансформируют привычное изображение в геометрические формы, доказывая, что художник имеет право на собственное видение объекта. 

Предчувствия Первой мировой войны раскалывают мир, а за ним — и искусство. Возникает итальянский футуризм, главная идея которого — разрушить все старое и построить новое. Им, по сути, оппонируют дадаисты, которые являются яростными противниками войны.

Одним из важнейших достижений живописи XX является рождение абстракционизма, основоположниками которого принято считать Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. Отныне искусство не связано с предметным миром, а «живет» совершенно свободно от него. Абстракция доказывает, что сочетание причудливых геометрических форм, цветовых пятен и линий может волновать душу зрителя не меньше, чем сложная предметная композиция на древний мифологический сюжет. 

Прочитано 487 раз
     Protiv Techeniya
Kalinin
refansh280х420
Скопировать